1.如何评价周董的钢琴演奏

首先题主要知道，钢琴这一行，人和人的差距是可以非常大的，业余和专业几乎不在一个量级内。既然要比，那就比一下吧。

他的演奏水平，也许在某些人看来比较高，但从专业角度来看，只能称之为“业余选手”。

原因如下：

1.当年台湾的那个环境比较封闭，缺少培养音乐家的条件。

2.他没考上台大音乐系，错失了系统性学习的机会

3.因为缺乏专业学习，而在某些方面比较偏（比如作曲）

在八九十年代的中国大陆，但凡混进音乐学院附中附小的，基本都能成为专业选手，有机会出国到一流音乐学院留学的，回来基本就是钢琴家了。

当然我不否认他的努力，但他确实（无论是早年还是现在）都没能达到专业的水平。

2.李云迪钢琴演奏技巧评价,作品听后感受

回顾二十世纪人类的音乐生活，可以说，没有任何音乐家能象肖邦一样将个人传奇与大众形象融合得如此水乳交融。就钢琴音乐而言，肖邦肯定是被弹奏得最多、聆听得最广泛的人。以演奏肖邦而闻名于世，最终列入伟大钢琴演奏家行列者，包括阿图尔·鲁宾斯坦、科尔托、列文涅、拉赫玛尼诺夫、里帕蒂、帕德列夫斯基、布莱罗夫斯基。弗朗索瓦、、阿格里奇、波里尼、齐默尔曼、波戈雷里奇等。上述名单中的半数与肖邦国际钢琴大赛有直接关系，其中鲁宾斯坦、科尔托。弗朗索瓦、列文涅等人曾担任肖邦大赛评委（此外，橡米凯郎杰里。

李赫特、切卡斯基、吉列尔斯等钢琴大师也担任过评委），而波里尼。阿格里奇、齐默尔曼等人则分获196O.1965.1975年的肖邦大赛的第一名。

可以毫不夸张地说，肖邦国际钢琴比赛的历程，正是整个二十世纪钢琴演奏发展史的一个缩影。

与另一个世界级钢琴大赛国际柴科夫斯基钢琴比赛相比，肖邦大赛特别注重钢琴艺术质量本身，而柴科夫斯基大赛则多少带有冷战时期特有的政治色彩。

第一届柴可夫斯基钢琴大赛第一名由美国钢琴家克莱本获得，当时任首席评委的李赫特给克莱本打了满分，而给苏联政府内定的第一名打了零分，克莱本回到美国时引发了举国狂欢，美国人象欢迎国家英雄一样欢迎这位钢琴家。

后来有一位获柴可夫斯基钢琴赛第一名的苏俄钢琴家普雷特涅夫，、也享受过与克莱本相似的政治奇遇。1988年戈尔巴乔夫访美时，专门带上了普雷特涅夫，让他在白宫为美国总统演奏。

但并非每一位钢琴家都热衷于追求成功带来的政治效应，因此，专注于钢琴艺术本身的肖邦大赛对钢琴家来说更具吸引力。美国钢琴家奥尔逊 197O年同时接到这两项赛事的盛邀（因为此前他已连获布索尼钢琴比赛第一名等多项荣誉），经考虑他放弃了较具冷战政治色彩的柴可夫斯基大赛，而选择了肖邦大赛。结果他一举夺得第一名，为他此后的钢琴大师生涯奠定了基石。

如果说柴可夫斯基钢琴大赛名次的确定常常涉及个人与国家的因素，那么，肖邦大赛的名次之争则更涉及到前辈钢琴家大师与尚未成名的青年钢琴家之间传奇性交往。这方面的种种轶事至今仍在乐迷当中广为流传。

鲁宾斯坦是196o年肖邦比赛的评委主席，他在评论18岁的第一名获得者意大利钢琴家波里尼时说，“我真不知道我们这些评委中有谁能弹得比他好。”试想当时鲁宾斯坦己名天下，被视为肖邦的化身，而波里尼不过是一位尚未出道的钢琴学生而已。

1955年米凯郎杰里因为阿什肯纳吉本能获得第一名而退出评委，同样的事于 198o年重演，阿格里奇因南斯拉夫钢琴家波戈雷里奇未能进入决赛圈愤而辞去评委职务。这两桩事件都起因于艺术，但却出人意料地演化为社会事件。

阿什肯纳吉在几年后与英国钢琴家奥格登同获柴可夫斯基钢琴大赛第一名。至于波戈雷里奇，更是由于阿格里奇的打抱不平之举而在一夜之间成名，人们认为他弹奏的是“ 21世纪的肖邦”。他后来与比他大18岁的俄罗斯钢琴老师结婚定居英国，成为联合国文化亲善大使。当然，这并不是一个肖邦专家的最高政治荣誉。帕德列夫斯基，这位20世纪初叶最伟大的的肖邦钢琴专家，曾被选为波兰第一位总统。

肖邦是迷人的，肖邦是不朽的。这个被巴赫专家古尔德称为“左撇子天才”的肖邦，在商业气息越来越浓厚的对世纪将被演奏成什么样子呢？肖邦将被电子化，数码化，还是作为古老世代残留的一丝叹息，一抹乡愁被人珍藏？是强调技术性，还是回归其诗意内核？肖邦钢琴大赛将办成什么样子？商业化，还是坚守其艺术至上的传统？

你呢，李云迪，这位中国第一位获肖邦首奖的年轻的钢琴家，你又将弹出肖邦，怎样一个肖邦？

3.其他钢琴大师对郎朗的评价

前辈钢琴大师傅聪这样评论：“郎朗很好！我在英国看过他的演出，跟其他钢琴家都不一样！他蛮有气质的，有一股子“天人合一”的味道！他的技术绝对没问题，可他又不仅仅是有技术。现在技术好的人太多了，一个比一个强，比赛时我们这些作评委的往往被惊得目瞪口呆！可真正的“音乐”就很少能够听到了！我之所以最欣赏郎朗，是因为他的演奏里面有音乐，他的音乐丰满得不得了！李云迪的演奏我没有现场听，光从他的录音来听，跟郎朗根本没得比！郎朗根本就没参加过什么了不得的比赛，他不需要！” 张五常： 郎朗是大演奏家了：世界的多个重要交响乐团都跟他合作过，好评如潮。 郎朗给我的第一个印像，是技术超凡。一九六八年，以技术知名天下的Horowitz复出，我在芝加哥听过两次。今天的郎朗，其技术竟然不在昔日的Horowitz之下！表达艺术，技术好就占了一个大便宜。是的，郎朗的钢琴技术流水行云，给我有予取予携的感受。极端困难的章节，他一挥而过，清晰如大珠小珠落玉盘，轻重如摘叶飞花。有这样的技术操纵，感情的表达就远为容易了。艺术是另一回事：郎朗的音乐品味好，有诗意，虽然感情的表达有点夸张，但这代表着个人的风格开始形成。说实话，我欣赏他弹得慢的、轻的曲段，胜于他弹快而激动的掌声雷动之作。是个天才，前途无限。 钢琴演奏之所以绝难杀出重围，是因为音乐演奏是一种共用品。我弹你又弹，各弹同曲，各录同碟，全世界的人都可以听，你比我稍高一线就把我淘汰了！弹琴是弹他人之作，不可以胡乱阐释，而在这约束下还有明显的个人风格，谈何容易，加上共用品的特征，真的国际大师凤毛麟角。当年在美国的大演奏厅听大师钢琴演奏，听来听去都不及两掌之数！ 产出共用品，在竞争下容易被淘汰。可能是这个原因，钢琴大师们喜欢精益求精，专注从事。甲专于弹巴哈，乙于贝多芬，丙于萧邦……有些更专注：甲专于莫札持的钢琴协奏曲，乙则取莫扎特的钢琴奏鸣曲而专之。整个二十世纪，全面的、国际性的钢琴演奏大师可能不及一掌之数。郎朗是全面的，有机会独领风骚数十年。 而对于郎朗带有夸张肢体动作的演奏，钢琴大师佩拉希亚坦言：“郎朗非常有魅力，他是国际乐坛炙手可热的青年才俊，然而音乐毕竟是从你自身出发的，而不是为了吸引公众而表现。”

“他拥有现今钢琴家中最牛逼的技巧，很可能有史以来最牛逼的”这话是拉赫马尼诺夫说的，他自己就可以跻身当时的一流钢琴家之列，另外和Tatum同时代的钢琴家包括霍洛维茨和鲁宾斯坦，前者一般被公认为20世纪最伟大的古典乐钢琴家，后者是萧邦作品第一圣手，两人都和拉赫马尼诺夫有深交，但是都没有得到这种几乎高到荒谬的评价！

4.海上钢琴师的评价

主人公“1900”是个从婴儿时就被遗弃在轮船上的孤儿，也是个天才的钢琴演奏家，他海一般蓝色的双眼能透过事物的表象感受到其内在的生命律动，不管看到什么，都能随即创作出一曲新鲜、动人的音乐。片中，“1900”曾说过这样一句话：“钢琴只有88个键，是有限的，但它演奏的音乐却是无限的。”如同他所说，依靠钢琴，“1900”找到的不仅是生活的快乐，还有生命的意义。影片中的一个片段曾经为钢琴赋予了魔幻色彩：当风暴来临之际，“1900”却演奏着钢琴，在舞会大厅里自由驰骋。钢琴师用贴着“自由”标签的爵士乐试图去击败封闭在轮船上的“1900”，但结果是徒劳的，那种形式上的自由，绝望地消失在“1900”为身边的每一个人弹奏的音符里。

“1900”一生中从未离开过轮船和海洋，他天才的钢琴技艺成为一个传奇。对音乐的热爱使他最终能选择与船共亡却不能为了深爱的女人登上陆地。

影片的配乐出自大师颜尼欧·莫里克奈之手，他以深情飘逸的典雅曲风，又一次掳获观众与乐迷的心。《海上钢琴师》被誉为是1999年最不容错过的电影原声带之一，并众望所归地荣获了金球奖最佳电影配乐奖。

5.如何正确看待弹奏钢琴的技术

其实所谓钢琴的弹奏技术，无非就是人们所说的专业与不专业，有的人认为，我只是业余爱好弹弹而已，不需要用什么专业的老师来教授，自身娱乐就够了，其实不然，我个人觉得不论你做什么事，都要用心去做并尽力去做好，不要说什么业余不业余！ 其实，所谓“业余”，虽然也是指时间上是在业余时间里学习钢琴这层涵义，但主要还是指职业上，是种不以演奏钢琴为主要职业目标的钢琴学习。

至于钢琴的弹奏法和教法并不能因为是在业余时间里进行而有根本性质的改变。在钢琴艺术的技术技巧、艺术表现等方面的基本概念、观念、原则、原理、规律上，只有科学与不够科学、正确与不够正确的区别，并无专业与业余之分。

正如一位医生在业余时间里给人zhi病与在正式工作时间里给人zhi病，同样要准确诊断、对症下药一样！ 所以说弹琴跟做其他事一样，要么不做要么就做到最好。

6.贝多芬钢琴协奏曲的评价

贝多芬一共作有有编号的5首钢琴协奏曲，另有小提琴协奏曲的钢琴配器，一般称为第6号钢琴协奏曲；还有降E大调钢琴协奏曲（WoO.4），加起来一共有7首。

在贝多芬有编号的5首钢琴协奏曲中，第一、第二号明显继承莫扎特与海顿的传统，其艺术表现所追求的是一种和谐、平衡中的美，第三号协奏曲中，开始出现贝多芬个性追求的那种戏剧性冲突，钢琴被赋予明显的激情。第四号协奏曲增加了阴柔与阳刚之间的对比，乐队更富动力，钢琴的个性更给予充分的发挥。

而第五号协奏曲因为华彩乐段与乐队效果的烘托，使整部作品成为高涨的情绪与豪迈的激情的写照，闪烁着辉煌而又耀目的美。这5首协奏曲，尤其是后3首为浪漫主义协奏曲的发展打通了道路。

第一钢琴协奏曲 贝多芬的这首钢琴协奏曲，C大调，Op.15，作于1796年，为其旅行演奏而作，创作时期其实晚于第二号。这首协奏曲还是遵循维也纳协奏曲传统，其中明显可看到莫扎特的影响，共3个乐章：1.活泼的快板，奏鸣曲式。

这一乐章非常莫扎特化，第一主题的和弦式进行、第二主题的纹饰，都接近于莫扎特影响。这一乐章值得注意的是进入再现部之前闪现神秘色彩的过渡准备，这一乐章中的装饰完全是莫扎特式快板乐章的特征。

2.广板，三段体，中间段的钢琴独奏有即兴式的朗诵调表演，最后一段重复开头的一些片断，然后展开即兴因素的变奏。3.回旋曲，快板，有谐谑性因素。

这一乐章中充满幽默，保持急速的节奏，主题是谐谑性的奥地利提罗尔舞曲，在第三段钢琴华彩乐段尾声之后，音阶式乐句凝聚起越来越紧张的力度 然后突然出现简短的休止，开始初现贝多芬的个性。第二钢琴协奏曲 这首第二号先于第一号，降B大调，Op.19，约在1794—1795年创作并初演，1798年修改。

这一协奏曲的乐队编制非常简练，曲式比第一号还要接近维也纳传统。共3个乐章：1.朝气勃勃的快板。

第一呈示部的第一主题呈现两个对称的形象，第二主题是一个新的抒情性插段。第二呈示部同样拥有很多旋律，旋律和乐句的发展都具即兴意味，极具莫扎特的风格。

2.柔板，这个乐章近似于海顿的风格，带有沉思意味，又充满温暧的感情。其中广泛使用了器乐式的朗诵调，从而时常形成旋律的情绪发展。

这种发展中孕育着贝多芬的创作个性。3.回旋曲，稍快的快板。

奏鸣曲形式的回旋曲，保持欢快中带有谐谑的特点。这一乐章的第一主题中有类似杜鹃的啼声，而在旋律中突出的重音，与钢琴左手部分节奏错位而带来幽默。

整个乐章中节奏转换与突然的重音，都极具贝多芬的特色。第三钢琴协奏曲 这首钢琴协奏曲，C小调，Op.37，作于1800年，是贝多芬真正开始走向成熟的标志。

这是贝多芬对现代协奏曲发展作出重大贡献的4首协奏曲（第三、四、五钢琴协奏曲与小提琴协奏曲）中的第一首，从这首协奏曲起，贝多芬加强了钢琴作为主体的力度，使它的对应织入整个音乐发展，使结构更为恢宏。这首作品是贝多芬最善于使用对比与发展的C小调，共3个乐章；1.朝气勃勃的快板，奏鸣曲式。

第一主题多少有一些英雄性质，第二主题更富歌唱性，它们的发展很具戏剧性。2.广板，在这个乐章中，钢琴声部有比较宽广的发展，采用声乐艺术中类似朗诵调到花腔的各种方式展现钢琴的技巧。

其中钢琴“朗诵”的片断与乐队的关系意味深长，而“花腔”式的钢琴音型处理非常复杂，由64分音符组成的音型比比皆是。3.快板回旋曲，大致的三段体。

在这个乐章中，基本主题开始有五彩缤纷的变化。这种变化似乎是由一件乐器一件乐器之间的传递来完成。

在第三段开始，在一段不长的赋格之后，有急剧而又饶有趣味的调性变换。尾声速度极快，表达出生动的幻想。

第四钢琴协奏曲 这首钢琴协奏曲，G大调，Op.58，作于1805—1806年间，1808年12月在维也纳首演。这首协奏曲以钢琴声部纤细而又深刻的歌唱性见长，共3个乐章：1.中庸的快板，奏鸣曲式。

这个乐章的第一主题本身就带有抒情性，第二主题带有田园风味，由钢琴表情花纹作装饰。其发展部以一些不安宁的下行音阶进行为基础，其中也有一些抒情段落。

再现部有所压缩，但更富表情。这个乐章贝多芬先后作过两个华彩乐段。

2.稍快的行板，这是非常着名的钢琴和乐队对话的乐章，一个是弦乐齐奏的断音主题，另一个是钢琴独奏叹息般的答句。有人把这个乐章解释为希腊神话中奥菲斯同阻挠他去地狱解救被囚禁的尤丽狄茜的那些魔鬼的对话，即奥菲斯用音乐驯服那些魔鬼。

这个对话以钢琴的答句越来越宽广，越来越富有激情，而不间断过渡到第3乐章。3.活泼的回旋曲，这一乐章的基本主题是一首明亮的快速度舞曲，这个主题的发展使这个乐章充满舞蹈性因素。

其中第二、第三段的色彩变化异常丰富纷呈。第五钢琴协奏曲 这首钢琴协奏曲，降E大调，Op.78，是5首协奏曲中乐队与钢琴的技巧发挥最辉煌的一首，出版时标明为“大型协奏曲”，其《皇帝》的标题大约是指此曲的结构辉煌而在协奏曲之首而言。

这首协奏曲与当时流行的“军队”协奏曲不无联系，共3个乐章：1.快板，奏鸣曲式。从乐队齐奏的响亮和弦和钢琴独奏3次自由的华彩开头，决定了这一乐章英雄主。